Biographie

Niki Kanagini est née en 1933 à Alexandroupoli. La famille de sa mère était originaire d’Ortaköy, dans l’actuelle Bulgarie, et les souvenirs de ce lieu ont plus tard nourri son œuvre. Elle est considérée comme l’une des plus importantes artistes grecques de l’après-guerre. Partie de la peinture et de la tapisserie, elle est passée aux installations, aux performances, à la photographie et à la vidéo. Tout au long de son parcours, elle s’est intéressée aux choses simples de la vie quotidienne, à la place de la femme et au monde qui changeait autour d’elle.

Au début des années 1950, elle part en Suisse pour étudier l’architecture, mais ses professeurs l’encouragent à se tourner vers la peinture. Jusqu’en 1954, elle étudie donc le dessin et les arts appliqués à Lausanne, à l’École cantonale de dessin et d’art appliqué. De 1954 à 1958, elle est étudiante à l’École des beaux-arts d’Athènes, où elle a pour professeurs Yannis Kefallinos, Spyros Papaloukas et Yannis Moralis. Grâce à une bourse de la Fondation nationale hellénique de la recherche, elle part ensuite pour Londres, où elle étudie de 1958 à 1961 à la Central School of Arts and Crafts, auprès d’artistes comme Alan Davie et Cecil Collins. Ses années londoniennes sont décisives. Elle y découvre de près les nouveaux courants de l’époque et y acquiert l’esprit curieux, toujours en recherche, qui la caractérisera jusqu’au bout.

En 1962, elle rentre en Grèce et s’installe définitivement à Athènes. La même année, elle présente sa première exposition personnelle à la galerie La Feluca, à Rome, puis en 1965 sa première exposition personnelle à Athènes, à la Galerie Merlin. Ses premières œuvres s’inscrivent dans le climat de l’expressionnisme abstrait, avec une couleur intense et de forts contrastes. Mais très tôt, le tissu et le vêtement l’attirent, et c’est ce qui la conduit à la tapisserie.

À l’époque, la tapisserie était considérée comme un art de second rang par rapport à la peinture. Kanagini refuse cette hiérarchie. Elle a été profondément marquée par le Bauhaus, l’école qui plaçait les arts appliqués au même niveau que les beaux-arts et accordait une grande importance à l’expérimentation des matériaux. Elle tisse elle-même certains de ses cartons, et dit concevoir ses tapisseries comme une « sculpture d’intérieur ». Elle participe à la Biennale internationale de la tapisserie de Lausanne en 1965, puis de nouveau en 1971, où elle présente des œuvres tissées de grand format, dont Colonne (1970). De 1962 à 1967, elle siège au conseil d’administration de l’Elliniki Tapitourgia (Manufacture hellénique de tapis), et elle écrit des articles sur le Bauhaus dans la revue Zygos.

Peu à peu, elle quitte l’abstraction pour des constructions et des installations dans l’espace, réalisées avec toutes sortes de matériaux : cordes, plastiques, ciment, argile. À travers ces œuvres, elle commente la destruction de la nature, le consumérisme, notre rapport à la tradition et à l’histoire. En 1973, à la galerie Desmos, elle présente Nature morte de l’univers d’une société de consommation naissante. C’est la première partie d’une œuvre en trois volets. Elle installe les deux autres dans un ensemble de maisons de vacances à Porto Rafti (1974) et à l’intérieur de l’usine IZOLA, à Thèbes (1975). Parmi les œuvres qui suivent figure la série Nous pouvons sauver la planète (1976). Elle collabore aussi avec des architectes : en 1976 avec Dimitris et Suzana Antonakakis à la galerie Iolas-Zoumboulakis, et en 1986 avec Christos Papoulias à l’Athens Art Gallery.

L’un de ses grands thèmes est la vie de la femme à la maison. Dans l’une des installations du cycle En oiko (« Scène domestique »), auquel elle travaille du milieu des années 1970 au début des années 1990, elle associe un étendoir à linge à des dentelles brodées, des plumes, des pommes en plastique et des dessins. Dans ces œuvres, les humbles objets de la maison et les souvenirs personnels deviennent des symboles et prennent un caractère presque rituel. Elle n’était pas une féministe militante, mais sa sensibilité sociale et sa propre expérience la ramènent sans cesse aux questions d’identité féminine. En 1993, elle présente l’exposition Genre : féminin à la Maison de Chypre, à Athènes.

L’écriture est un autre intérêt constant. Dans la grande série Manuscrits des années 1980, l’écriture devient image, un code personnel pour fixer la pensée. À partir des années 1990, en collaboration avec la critique Eleni Varopoulou, elle réalise des performances et des installations, notamment au Festival d’Argos (1996) et à l’Académie d’été du Théâtre national de Grèce (2002-2004). Beaucoup de ces œuvres sont conçues pour le lieu où elles sont présentées et invitent le spectateur à y participer. Elle utilise aussi la vidéo et la photographie numérique, et dans les années 2000 elle crée des œuvres autour des sens, le goût et le toucher, comme Edesma (« Mets », 2004). Son voyage à Ortaköy a été filmé par Despina Pantazi dans Dentelle de mémoire (2006).

Elle a réalisé plus de vingt expositions personnelles et participé à de nombreuses expositions collectives, en Grèce et à l’étranger. Parmi elles figurent la Biennale d’Alexandrie (1980), Europalia à Bruxelles (1982), ainsi que les expositions L’art grec en Hollande à la Nieuwe Kerk d’Amsterdam (1981) et Dix artistes, dix regards de Grèce à New York et à Bruxelles (1981-1982). En 1989, elle participe à Three Generations of Greek Women Artists, l’une des premières expositions du National Museum of Women in the Arts de Washington, et en 2005 aux Années de la contestation. L’art des années 70 en Grèce à l’EMST. Elle enseigne à l’école Vakalo (1963-1967), au Centre d’applications technologiques (1970-1971) et à l’École des beaux-arts d’Athènes (1984-1986), et publie des articles dans des journaux et des revues.

Niki Kanagini meurt subitement à Athènes en juin 2008, alors qu’elle prépare une grande exposition pour Thessalonique. Sa fille, Lia Kanagini, poursuit le travail, et l’exposition En oiko ouvre finalement en décembre 2010 au Centre d’art contemporain de Thessalonique. En 2026, le Musée national d’art contemporain d’Athènes (EMST) lui consacre sa plus grande rétrospective à ce jour, avec plus de cent œuvres. Le titre de l’exposition, Ode aux choses, est emprunté à un poème de Pablo Neruda retrouvé dans les papiers de Kanagini. Sa famille doit faire don au musée de plusieurs œuvres de l’exposition. Ses œuvres figurent dans les collections de l’EMST, de la Pinacothèque nationale d’Athènes, du MOMus–Musée d’art contemporain de Thessalonique, du Musée Vorres et de la Banque nationale de Grèce.

Du fil et du tissu à l’écriture et à la nourriture, Niki Kanagini a montré que les choses les plus quotidiennes peuvent porter la mémoire, l’histoire et l’identité.

Bibliographie – Sources

1. Musée national d’art contemporain d’Athènes (EMST). « Ode aux choses. Niki Kanagini. Rétrospective » (2026), commissariat T. Pandi. Texte et biographie de l’exposition.
2. Pinacothèque nationale d’Athènes. « Kanagini Niki ».
3. Institut d’art grec contemporain (ISET), Plateforme numérique. « Kanagini Niki (1933–2008) » : biographie, expositions personnelles et collectives.
4. MOMus. Niki Kanagini, « Dessin, 1966 », collection du MOMus–Musée d’art contemporain.
5. To Vima (16 décembre 2010). « Niki Kanagini : une pionnière du XXe siècle au Centre d’art contemporain de Thessalonique ».
6. Mitropoulos, G. (6 avril 2026). « N. Kanagini : le retour de l’une des plus importantes artistes de l’art grec d’après-guerre ». Euronews.
7. Leopoulou, A. (2006). « Destinataires et créateurs : le cas de Niki Kanagini ». Mémoire de master, Département d’histoire et d’archéologie, Université Aristote de Thessalonique.
8. Liapi, M. (2021). « Le tissage comme art : l’évolution du textile art en Europe au XXe siècle et l’exemple grec ». Mémoire de master, Département d’histoire et d’archéologie, Université Aristote de Thessalonique.
9. U.S. Department of State, Art in Embassies. « Niki Kanagini ».
10. e-flux (2026). « Jani Christou, Niki Kanagini, Stathis Logothetis ». Annonce de l’EMST.

Cette biographie a été rédigée avec l’aide de l’intelligence artificielle.